Por: Nilda Mercedes Peraza
Peter Gaztambide es un artista puertorriqueño cuya trayectoria, desarrollada a lo largo de más de cuatro décadas, se despliega entre dos geografías (Puerto Rico y Florida) articulando un lenguaje visual que se desplaza entre memoria, diáspora y experimentación formal factores que han marcado profundamente su producción. Su trayectoria, marcada, revela cómo la movilidad geográfica puede convertirse en un motor de innovación estética.
Formado fuera de estructuras académicas tradicionales Gaztambide auto didacta en su formación, realiza su trabajo con gran empeño, profesionalismo, y originalidad que lo que distingue de otros artistas en la diáspora. En el desarrollo de su técnica enfocada hacia la no representación liberal de las tradiciones del folklore popular de Puerto Rico. La mezcla en sus composiciones y el espacio expresando la desorientación y la crisis del pertenecer.
Su obra, profundamente anclada en la memoria cultural puertorriqueña, rehúye la representación literal para explorar la subjetividad, la emoción y la armonía cromática. En Florida, su práctica adquiere nuevas resonancias: la abstracción se convierte en un espacio de negociación identitaria, donde los símbolos culturales se transforman en elementos dinámicos dentro de un campo transcultural más amplio.
Su traslado de la isla hacia la diáspora estadounidense constituye un punto de inflexión que redefine su práctica y sitúa su obra en el cruce entre memoria cultural, imaginación y adaptación a nuevos contextos. Habitar la diáspora implica ocupar un espacio donde las experiencias vividas y los imaginarios heredados se entrelazan; en este sentido, la trayectoria de Gaztambide desde las vibrantes redes artísticas puertorriqueñas hasta los desafíos de visibilidad en Florida ilumina las múltiples rutas de la creación puertorriqueña contemporánea fuera de la isla.
Ante la escasez de espacios de exhibición en Florida, el artista persistió mediante su participación en organizaciones regionales, contribuyendo al tejido cultural de Tampa, Sarasota, y Miami. Su lenguaje abstracto, profundamente enraizado en la memoria cultural puertorriqueña y simultáneamente abierto a influencias globales, ofrece al panorama artístico de la Florida una perspectiva esencial sobre el modernismo caribeño y la abstracción lirica que caracteriza su obra. La presencia de sus obras en colecciones internacionales confirma la relevancia de los artistas que trabajan desde geografías híbridas y entornos culturales diversos.
Este ensayo examina cómo Gaztambide opera dentro y a través de tradiciones culturales, movilizando estas condiciones para producir lenguajes visuales híbridos que exceden los límites de la iconografía nacional. En lugar de tratar los símbolos culturales como marcadores identitarios fijos, su práctica los transforma en elementos dinámicos dentro de un campo estético transcultural más amplio.
La abstracción constituye el eje central de su producción. Más que ofrecer una revisión historiográfica del movimiento, este análisis se concentra en la práctica de Gaztambide como protagonista significativo de la abstracción puertorriqueña y caribeña. Su obra expande el lenguaje pictórico mediante trabajos sobre papel, serigrafía, medios mixtos y murales sensibles al sitio. Fragmentos, cuadrículas, campos de color y estructuras rítmicas convierten el plano pictórico en un espacio donde las tradiciones modernistas puertorriqueñas se encuentran con la experimentación material y formal.
Gaztambide mantiene vínculos sólidos con el arte nacional puertorriqueño. Su lenguaje visual cohesivo integra imágenes y signos vibrantes moldeados por la línea y la forma. Sus obras recientes presentan complejos patrones de formas y colores organizados en composiciones dinámicas, ofreciendo una muestra significativa de la diversidad de su expresión artística.
Durante muchos años, el artista ocupó una posición distintiva dentro de la práctica puertorriqueña marcada por una trayectoria transnacional temprana y una formación no convencional.
Formado fuera de estructuras académicas tradicionales, Gaztambide desarrolló una práctica rigurosa mediante aprendizajes autodirigidos con maestros del arte puertorriqueño estudiando estilos y técnicas con atención minuciosa. Sus internados con Eliasim Cruz (serigrafía y diseño de carteles), Armando Rubbo (dibujo, diseño, grabado, pintura), Wilfredo Labiosa (monotipo) y John Balossi (dibujo en tinta, cerámica, escultura en metal) le proporcionaron una base técnica multifacética. Bajo la guía de Lope Max y Antonio Navia, exploró la pintura experimental, ampliando su comprensión de la materialidad y el proceso.
Durante este periodo, fundó junto a colegas la Galería sin Paredes, una de las primeras galerías itinerantes de Puerto Rico, reafirmando su compromiso con democratizar el acceso al arte y activar espacios de exhibición no tradicionales.
Su historial de exhibiciones en Puerto Rico incluye instituciones como Galería Botello, Centro Europa, el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Galería Coabey, Ruby Gallery, el Museo de Grabado Latinoamericano del Instituto de Cultura Puertorriqueña, Galería Guaraguao y el Centro Nacional de las Artes. En una exposición en la Galeria Botello, el crítico José Antonio Pérez Ruiz describió su obra como “llena de siluetas que parecen desaparecer constantemente, involucrando al espectador en el intento de descifrarlas. Este sentido de evanescencia evoca la capacidad humana de trascender los límites del tiempo y el espacio”.
En la década de 1980, se consolidó como serigrafista respetado, produciendo impresos para artistas como Francisco Rodón, Lorenzo Homar, Andrés y Andy Bueso, Ralph de Romero, y Gloria Florit. Este trabajo lo situó en el núcleo técnico y colaborativo de la comunidad de grabado puertorriqueña, profundizando su relación con los movimientos modernos y contemporáneos de la isla.
Nacido en Miami en 1949 y trasladado a Puerto Rico a los tres meses de edad, Gaztambide desarrolló allí la sensibilidad cultural que fundamenta su obra. Su afinidad temprana por la expresión visual y su curiosidad por viajar establecieron el marco experiencial que más tarde informaría su producción.
Su trabajo ha sido exhibido ampliamente en Puerto Rico y Estados Unidos, y forma parte de colecciones internacionales. En Florida, su obra aporta una perspectiva caribeña esencial al panorama artístico regional, demostrando cómo la abstracción puede convertirse en un territorio donde la memoria cultural se transforma y circula.
Incluso después de mudarse a Florida, continuó exhibiendo regularmente en Puerto Rico. En 2001 participó en la exposición Tres Amigos – Tres Décadas – Tres Artistas en el Instituto de Cultura Puertorriqueña. En el catálogo, la curadora Myrna Rodríguez afirmó: “Gaztambide mantiene sus vínculos con el arte nacional puertorriqueño, y esta exposición reúne una selección significativa de sus diversas manifestaciones. Produce un discurso articulado de imágenes cotidianas insertadas en signos coloridos, anclados en la línea y la forma”.
Su desarrollo artístico surgió fuera de estructuras académicas tradicionales. Aunque no cursó estudios formales de arte en sus primeros años universitarios, un curso en la Universidad de Loyola en Nueva Orleans “Art for Non-Art Students” catalizó su compromiso de por vida con la práctica artística. Su enfoque autodidacta, marcado por disciplina y experimentación, le permitió adquirir una amplitud de conocimientos comparable a la formación académica, enriquecida por la heterogeneidad de la experiencia vivida.
Tras regresar a Florida en 1987, se matriculó en la Universidad del Sur de Florida, donde estudió con reconocidos profesionales que incluyeron: intaglio con Bradley Shanks, dibujo con Jeffrey Kronsnoble y pintura con George Pappas todos. En 1989 obtuvo su Bachillerato en Artes, formalizando su práctica dentro de un En 1989 obtuvo su Bachillerato en Artes, formalizando su práctica dentro de un contexto académico sin abandonar el espíritu experimental que definió su trayectoria inicial.
La obra de Gaztambide demuestra cómo la memoria y la identidad pueden manifestarse sin recurrir a la representación literal. Su lenguaje abstracto, basado en el equilibrio, el color, la textura y el rigor compositivo, expresa emoción y visión subjetiva más que referencias al mundo natural. Para el artista, la abstracción es una práctica disciplinada regida por la integridad estructural y la armonía cromática.
Gaztambide demuestra que la abstracción puede ser un territorio fértil para la circulación de tradiciones, gestos y formas. Sus títulos, tomados de refranes puertorriqueños, insertan narrativas populares en composiciones no figurativas, creando obras que son simultáneamente locales y expansivas. Su producción, presente en colecciones internacionales, afirma la relevancia global de los artistas que trabajan desde geografías híbridas y contextos diasporicos.
Su obra es reconocida por fusionar el arte tradicional puertorriqueño con la abstracción moderna. Sus composiciones, frecuentemente tituladas con refranes puertorriqueños, integran tradición oral y lenguaje visual contemporáneo, generando una estética híbrida que trasciende fronteras culturales.
Los títulos de sus obras, tomados de refranes del folklore puertorriqueño “Pancha plancha con cuatro planchas, En la cuerda floja, Ni fu ni fa, insertan la memoria cultural en composiciones no figurativas, creando espacios donde la tradición oral y el lenguaje visual contemporáneo convergen.
Al destacar la materialidad, el gesto y la movilidad de los motivos, su práctica contribuye a una comprensión más amplia de las estéticas transculturales. Afirma que los lenguajes visuales más poderosos emergen del movimiento geográfico, histórico y conceptual y que su fuerza reside en su capacidad de atravesar y reconfigurar los espacios entre culturas. En este proceso, su obra invita a reconsiderar cómo el arte participa en la circulación continua de tradiciones, memorias y formas esa es la originalidad de la práctica de Peter Gaztambide.
Gaztambide demuestra que la abstracción puede ser un territorio fértil para la circulación de tradiciones, gestos y formas. Sus títulos, tomados de refranes puertorriqueños, insertan narrativas populares en composiciones no figurativas, creando obras que son simultáneamente locales y expansivas. Su producción, presente en colecciones internacionales, afirma la relevancia global de los artistas que trabajan desde geografías híbridas y contextos diasporicos.
La autora….
Nilda Mercedes Peraza es una destacada profesional puertorriqueña con más de cuatro décadas de experiencia en gestión y curaduría en el ámbito de las artes visuales y museos. Fue Directora de la Cayman Gallery, el primer espacio alternativo de exhibición en el distrito de SoHo en Nueva York, y posteriormente fundó el Museum of Contemporary Hispanic Art (MoCHA), una de las primeras instituciones dedicadas al arte contemporáneo hispano en los Estados Unidos.
En Puerto Rico trabajo en el Instituto de Cultura Puertorriqueña desempeñándose como directora del programa de Museos y Parques y luego como Ayudante Especial de dos de su directores ejecutivos realizando importantes proyectos que enriquecieron la labor museística del ICP. Su última contribución fue el Museo de Nuestra Raíz Africana que se inauguró en el 1999 y cerraron en el 2012. A lo largo de su carrera, ha ejercido como directora, curadora, educadora y activista cultural, consolidando una reputación como líder visionaria y defensora de comunidades artísticas diversas.
